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Craig Hanna : un américain à Paris

Craig Hanna

Si vous souhaitez découvrir les oeuvres de Craig Hanna, rendez-vous à la Galerie parisienne de Laurence Esnol qui est la seule au monde à les exposer. Cette exclusivité, Laurence l’a gagnée en même temps que l’amitié de Craig à qui elle a un jour envoyé un mail pour le rencontrer. Débarquant des US avec ses toiles sous le bras, le jeune artiste américain a conquis le public parisien en 2006 avec une première exposition Pop-up. Face à son succès et à son talent inéluctable, Laurence lui a depuis ouvert une galerie en face des Beaux-Arts entièrement consacrée à sa peinture.

Craig Hanna a eu une formation dans plusieurs écoles d’art de New York mais il s’est initié aux Grands Maitres et à la technique de la peinture à l’huile de façon autodidacte. Alternant les portraits, les paysages ou les nus, il a progressivement fait évoluer sa ligne classique et minutieuse vers un travail plus intuitif sur Plexiglas. Après avoir exposé à Manhattan puis à Londres durant plusieurs années, il a décidé de s’installer à Paris. Rencontre avec l’une des figures artistiques les plus brillantes du XXIe siècle.

Florence Yérémian : Bien peu d’artistes peuvent se vanter d’avoir une galerie entièrement dédiée à leur oeuvre…

Craig Hanna : C’est vrai. Et l’un de mes privilèges en tant que peintre est de pouvoir terminer une toile dans mon atelier, l’apporter à Laurence qui l’accroche dans sa galerie, m’assoir et regarder l’impact de mon oeuvre sur chacun des visiteurs qui passe. Peu d’artistes peuvent capter si rapidement les réactions du public et échanger avec lui de façon aussi franche.

Vous êtes en partie autodidacte ?

Tout à fait. En école d’art je n’ai jamais appris à peindre au sens propre du terme. Quand j’ai intégré la New York Academy of Figurative Art, j’ai eu un bon professeur mais ce n’est qu’à l’âge de 23 ans que j’ai commencé à me pencher personnellement sur le travail pictural des grands maîtres. A cette époque – mais encore aujourd’hui – j’étais fasciné par les oeuvres de Velasquez, Van Dick ou Rembrandt et j’ai commencé à me rendre dans les musées pour observer et tenter de reproduire leur technique. C’était si difficile que c’est devenu un challenge obsessionnel. J’ai mis plus de dix ans à maitriser la peinture à l’huile…

La technique a une part très importante dans votre travail, c’est assez rare au XXIe siècle, la plupart des artistes privilégient le concept au savoir-faire pictural…

A mes yeux, la technique est la seule façon d’obtenir un bon tableau car dans tout chef d’œuvre réside une part de mathématique sous-jacente. Il n’y a pas de secret : les peintres de la Renaissance étaient obnubilés par le nombre d’or et les proportions, Van Gogh était obsédé par l’équilibre de la peinture japonaise, moi-même, j’ai en permanence cette conscience de l’équilibre pour atteindre la meilleure composition. Certes, chaque création a une part de spontanéité mais un bon artiste réadapte ce qu’il voit, il recompose la réalité, il la corrige pour s’approcher au plus près d’une composition que son regard trouve visuellement parfaite.

Malgré votre maîtrise de la peinture à l’huile, vous êtes progressivement passé à la peinture sur plexiglas

Oui, car je n’étais pas satisfait : mes huiles étaient belles et abouties mais elles n’avaient rien de moderne. Elles ne s’inscrivaient pas dans leur temps et ne représentaient pas ma personnalité. A mes yeux, elles ressemblaient à des huiles “à la manière” des grands maitres mais ne comportaient aucune inventivité. C’est à ce moment que j’ai découvert le Plexiglas. J’ai commencé à faire des essais sur un très petit format afin de comprendre quel matériel se plierait le mieux à ce support et j’ai choisi l’encre à base d’alcool. Cette nouvelle technique m’a offert une lumière et une fluidité semblable à l’aquarelle que je maitrise aussi. La difficulté est que l’encre sèche très rapidement et qu’il faut donc être extrêmement précis dès le premier trait car il n’y a pas de repentir.

Comment procédez-vous ?

Avant d’aborder l’œuvre sur plexi, je fais beaucoup d’esquisses sur papier et de dessins. Quand ma composition est définie, je trace les grandes lignes sur la plaque, je place les détails, les couleurs et les ombres. C’est un travail en sens-inverse. Ensuite, je termine avec un support de bois qui « ferme » le tableau et qui peut également être peint pour apporter de la profondeur grâce à la transparence du Plexiglas.

Certaines œuvres présentent des « tâches » et des motifs inattendus, est-ce volontaire ?

Mon geste pictural a la même intensité qu’avec la peinture à l’huile mais l’encre laisse effectivement une part intéressante au hasard à travers ses taches et ses coulures. Pour donner du sens à ces accidents techniques, cela implique une dextérité supplémentaire car je dois les intégrer à l’œuvre finale sans tomber dans le cliché.

Etes-vous attiré par l’Art abstrait ?

Oui, mais là encore, il faut que l’œuvre comporte un sens et surtout une présence esthétique dans sa composition. Une toile abstraite doit attirer visuellement de par l’équilibre de ses couleurs, ses lignes et sa mise en scène. A titre d’exemple, j’aime le travail de Rothko, Robert Rauschenberg ou celui de la new-yorkaise Helen Frankenthaler, mais je ne pense pas pouvoir tomber un jour dans l’abstraction pure. Pour l’instant, j’ai encore beaucoup de possibilités à explorer avec le Plexiglas avant de vouloir passer à autre chose. Je m’amuse vraiment avec ce matériau et j’affine chaque jour ma technique en utilisant par exemple des projections ou du papier de verre.

Quels sont vos peintres favoris ?

Velasquez, Rubens, mais aussi les expressionnistes allemands Schiele et Kokoschka, les Nabis comme Bonnard et Vuillard, Constable bien sûr, la peinture japonaise, et puis la peinture mongole avec ses magnifiques aplats de couleurs. J’aime aussi Repine et j’apprécie le fait que les peintres russes enseignent toujours la peinture dans les règles classiques. Ce n’est plus le cas en Europe et c’est regrettable : même à l’Ecole des Beaux-Arts de Paris plus personne n’apprend à peindre aujourd’hui !

A quoi ressemble une journée type de Craig Hanna ?

Je me réveille. Je prends mon café et je me plonge dans les sketchbooks que j’ai à l’atelier. Selon mon humeur, je me tourne vers Velasquez, Courbet, Dürer ou un des grands maitres et je médite, je cherche, je copie des détails… Depuis toujours les artistes ont cherché l’inspiration auprès de leurs prédécesseurs et je fais pareil : Manet s’est inspiré de Titien qui s’est inspiré de Veronese… Ce n’est pas de la copie, c’est un parcours nécessaire. Parfois aucune inspiration ne vient et là je vous assure que c’est terrible. Tous les artistes ont besoin d’idées, de nouvelles poses, d’énergie créatrice ! Il en va de même lorsque l’on termine une toile. Personnellement, je suis vidé et je rentre en phase de dépression. Il faut alors que je vois un spectacle ou une exposition pour me recharger et gagner une nouvelle énergie afin de repartir dans la création.

Comment choisissez-vous vos modèles?

En premier, je ne m’attache pas à leur physique car ce qui compte pour moi c’est leur professionnalisme. Un bon modèle doit être capable de rester assis immobile durant des heures. Pour le choix des poses, c’est variable : parfois je donne des directives mais la plupart de mes modèles ont une telle présence que je les laisse me proposer leurs idées. J’ai eu ainsi à faire à d’étonnant danseurs ou à des gens très expressifs de par leurs visages ou leurs vêtements.

Il m’arrive aussi de faire appel à de jeunes comédiens, beaucoup viennent de l’école Lecoq qui les forme à un jeu d’acteur très physique. J’ai ainsi eu comme modèles une jeune actrice suédoise, une chanteuse d’opéra ou un acteur italien.

Vous venez juste de terminer le portrait d’Alexandra Tolstoy

Tout à fait, Alexandra est l’arrière-arrière petite fille de Léon Tolstoï mais par-delà son prestigieux héritage, c’est surtout sa personne et son style vestimentaire qui m’ont séduit. Sa garde robe est incroyable car elle est constituée de créations de jeunes stylistes russes (Vilshenko) qui mêlent le folklore de leurs ancêtres à leur imaginaire.

Comment concevez vous vos tableaux ?

Quand j’ai l’idée et le modèle, je fais énormément de dessins. Je choisis alors le costume et progressivement la pose. C’est très difficile de trouver la pose adéquate, pour cela, je fais tourner le modèle toutes les vingt minutes. Je travaille d’après nature car j’ai besoin de percevoir les ombres, le grain de peau et les chairs. Je prends très rarement des photos car elles manquent de vie, par contre quand mon modèle n’est pas disponible je m’attèle à travailler le décor ou le costume en utilisant un mannequin : je pose et j’habille le mannequin à l’identique et je le peins comme une nature morte.

Et pour vos paysages ?

Lorsque je peins un paysage, je travaille uniquement en extérieur. Je choisis un lieu, je pose ma chaise à l’aube ou en fin de journée et là, c’est une toute autre approche, car il faut aller très vite à cause du soleil qui passe et de la lumière qui évolue : les ombres changent tellement vite dans la nature que le travail doit être bouclé en deux heures, trois au maximum. Quelle que soit l’œuvre, cependant, je mets un mois en moyenne pour la terminer.

Il y a quelques années, dans l’un des ouvrages consacrés à votre œuvre, vous avez dit : « Je peins car rien ne fait sens », est-ce toujours le cas ?

Oui, car la vie n’a pas de sens. Depuis la publication de cet ouvrage, j’ai eu un enfant et fondé une famille mais mes doutes sont pires à présent : en effet, je m’interroge moins sur moi-même mais je m’inquiète pour mon enfant et son devenir. Les questions existentielles me tourmentent et me font peur, c’est certainement pour celà que je peins. Quand je suis dans la création, j’oublie. C’est une façon de m’échapper, d’adhérer à une religion qui est plus grande que moi-même. Ma religion, c’est l’art tout simplement, c’est ma croyance personnelle, mon côté Nietzschéen qui me dit « Nous avons l’art pour ne pas mourir de la vérité » (Art exists so we don’t die of the Truth)

Des projets qui se profilent ?

Je suis justement en train de faire un portrait de mon fils de huit ans : en échange de quelques heures de jeu sur sa tablette, il a accepté de prendre la pose du jeune “Tireur d’épine”. Ensuite je ferai peut-être un paysage. D’habitude je vais du côté de Fontainebleau mais comme l’été arrive, je vais repartir chez moi dans l’Ohio. L’an dernier, j’y ai peint le triptyque qui se trouve actuellement au rez-de-chaussée de la galerie, je risque d’en faire un nouveau car à la fin de l’été, les champs de l’Ohio sont magnifiques !